miércoles, 26 de noviembre de 2008
Ciudad de Dios...y sus ritmos
"Ciudad de Dios", adaptada de la novela de Paolo Lins, no es simplemente un retrato del crecimiento del crimen organizado en Cidade de Deus, un suburbio violento de Río de Janeiro, entre finales de los años sesenta hasta principios de los ochenta. Es también un viaje dentro de la cultura brasileña y su propio folklore tan característico y sensible en sus ritmos y sonidos.
El filme cumple desde un principio con todo requisito necesario para ser un éxito taquillero, un tema fuerte y abierto a discusión, fotografía excepcional, excelente dirección, y que mejor que aquel país tan basto y amplio, lleno de las razones, causas y consecuencias necesarias para crear el filme. Solo falta la vida, el movimiento del cuerpo, el espíritu del filme, cuando todos estos requisitos no son todavía suficientes para expresar y transmitir la esencia de la ciudad de dios, viene la banda sonora, mejor conocido como soundtrack. “Cumpliendo como función la de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar” es el espíritu que moviliza al cuerpo del filme.
Ed Cortês y Antonio Pinto II, compositores de la banda sonora original de la Ciudad de Dios, nos llevan por medio de una mezcla de ritmos contemporáneos con el Axe Carioca y, la tan popular música “brasileira”, forro a la aventura que se vive a través de los ojos de Buscapé (cohete) dentro de la mayor favela de Brasil. Vemos a través de sus ojos el desarrollo de la vida, las peleas, el amor y la muerte de los personajes cuyos destinos se alejan y se cruzan con el paso del tiempo.
La música es utilizada en el filme para resaltar los sentimientos que se viven en cada escena, y mas allá de eso, para resaltar el espíritu, siempre latente, brasileño. Las imágenes y los sonidos, se mezclan dentro de la corriente del neonacionalismo.
Es claro que no podríamos tener una concepción amplia, y mas que nada, completa del trabajo realizado por el director Fernando Meirelles acerca de la vida tradicional en la ciudad de dios a principios de los ochentas en escenas como la de apertura, (los niños persiguiendo su almuerzo dentro de la favela), si esta no fuera acompañada por el espíritu que le da el movimiento, en este caso su música, y mas específicamente con el tema funck da virada.
Un poco sobre Borat
Sacha Baron Cohen consigue desenmascarar a la comunidad estadounidense a través de una estrategia que sólo puede ser calificada genial: tomando la apariencia y la identidad de un reportero de Kazajistán que incorpora todos los tópicos del país subdesarrollado, inculto, casi casi primitivo y en su largo recorrido por EU, termina sacando a la luz las profundas contradicciones que existen entre los “democráticos y religiosos” (entre otros). Todo esto, “reporteando” de la manera más cómica, remitiéndonos a la antigua estrategia griega que pudo destapar y romper con el paradigma del “perfecto americano”: la dialéctica.
Para nuestra sorpresa, la audiencia norteamericana y canadiense le dio más que una buena bienvenida. Según20th Century Fox, la cinta "Borat: Cultural Learnings of America for Make Benefit Glorious Nation of Kazakhstan", captó 20 millones de dólares, convirtiéndose en la película más taquillera en su segunda semana de estreno en tan solo 837 salas. "Borat" elevó su total de recaudaciones en 10 días a 67,8 millones de dólares. La película fue hasta Galardonado en los MTV awards, así que como vemos, la respuesta, fue sorpresivamente impactante. Solo hubo de dos, o fascinante para algunos críticos, o repelada por algunos otros apretados.
Definitivamente, la primera impresión al ver la película, más que carcajadas, son escalofríos. El riesgo, en el que uno no sabe si el protagonista acabará linchado, especialmente en las escenas del rodeo y la de la increíble reunión evangélica. No sólo saca al aire las vergüenzas y contradicciones de los poderosos, sino que ataca las contradicciones a las que puede llevar lo políticamente correcto, en un sistema que dice proteger a las minorías pero en el que uno puede preguntar en una tienda cuál es el mejor arma para matar a un judío, y que el dependiente conteste, sin alterar mínimamente el rostro, que lo que él recomienda es o bien una 9 mm. o un 45 (graciosísima esta parte). Se burla tanto del humor gringo, como del feminismo y machismo, de las altas élites y sus modales, como de la religión y los judíos. El rodeo, los estudiantes estúpidos, el desfile gay, la misoginia, ni si quiera Pamela Anderson se salva de la profunda crítica cómica que se presenta en Borat. Grotesca pero graciosa.
Lunes al Sol
Había olvidado ya la autenticidad que tienen las películas españolas, y es que es difícil cuando se presentan este tipo de películas en Torreón. Lunes al Sol, con sus colores fríos, azules, verdes y tristes, nos crea una atmósfera en la que toda una ciudad tiene fuertes problemas laborales y las historias de los personajes giran alrededor de esto. Sin duda, pude relacionar esta crisis que se vive con la crisis mundial o mexicana. De pronto el sistema capitalista empieza a hacer mas grande la brecha entre ricos y pobres, entre empleados, desempleados y mal empleados.
Una de mis partes favoritas de la película, es cuando Javier Bardem le está leyendo un cuento de dormir a la niña. Casualmente este cuento de una hormiga y una cigarra refleja de cierto modo la situación de la ciudad y Bardem muestra su inconformidad del cuento (gracioso). La película aunque parece lenta y tediosa por un momento, es una perfecta representación de lo que sucede cuando falta trabajo. ¿Estaremos en ese momento?
Cortometraje: alambres, Flores y Diamantes (Ibero Laguna)
El Cine es un medio por el cual el ser humano trata de dar a conocerse, experimentar, explotar su creatividad y transmitir un mensaje al público por medio de una secuencia de fotografías , la utilidad en tiempos pasados fue meramente artística y en la actualidad es mas industrial ,ya casi no se le da mucha importancia a la belleza como lo es el arte en sí ,se le da prioridad a otro tipo de producciones de baja apreciación, hemos perdido la capacidad de admiración por este, en sí yo puedo decir que el cine ha formado una parte muy importante en mi vida, me ha acompañado en diferentes momentos: de diversión , reflexión ,análisis, etc, lo disfruto mucho .Una película o cortometraje me es importante cuando me deja un mensaje o logra despertar en mí sentimientos que muchas veces no se pueden dar a la luz en la cotidianidad. Me gustó mucho el cortometraje de estos chavos pues deja bien marcado su estilo, sin olvidar detalles técnicos en la pantalla, publicando una buena historia de dos alambritos que luchan cada quien por una alambrita.
Como hacer un guión en corto, para un cortometraje
RECUPERADO DEL AUTOR CARLOS FUHER, DE www.cortomania.com.ar
Muchas veces nos preguntamos como se empieza un cortometraje, la idea es sencilla, todo se enfoca a la creatividad, despues vendra el dinero
1.-Establecer un conflicto que defina una o varias historias.
2.-A partir de la historia, se crea una estructura narrativa bajo los siguientes rubros: introducción, planteamiento, desarrollo y desenlace.
3.-Comenzar con un argumento que describa en detalle a los personajes y al conflicto.
4.-Precisar a los personajes, acciones y lugares.
5.-Detallar el orden en que se suceden las acciones.
6.-Dividir las acciones por secuencias: EXTERIOR-DIA, INTERIOR-DIA, EXTERIOR-NOCHE, INTERIOR-NOCHE.
7.-A esta descripción por secuencias se añade el nombre de los personajes (URSULA, CARLOS) y el lugar específico donde se desarrollara la acción (CASA, CALLE, ESCUELA, SALÓN).
8.-Las características de los personajes se van detallando (estados de ánimo, actitudes, etc.).
9.-Se incluyen todos los diálogos, por pequeños que sean, indicando el personaje que los dice.
10.-Se describen detalladamente los lugares en que se desarrolla la acción.
Muchas veces nos preguntamos como se empieza un cortometraje, la idea es sencilla, todo se enfoca a la creatividad, despues vendra el dinero
1.-Establecer un conflicto que defina una o varias historias.
2.-A partir de la historia, se crea una estructura narrativa bajo los siguientes rubros: introducción, planteamiento, desarrollo y desenlace.
3.-Comenzar con un argumento que describa en detalle a los personajes y al conflicto.
4.-Precisar a los personajes, acciones y lugares.
5.-Detallar el orden en que se suceden las acciones.
6.-Dividir las acciones por secuencias: EXTERIOR-DIA, INTERIOR-DIA, EXTERIOR-NOCHE, INTERIOR-NOCHE.
7.-A esta descripción por secuencias se añade el nombre de los personajes (URSULA, CARLOS) y el lugar específico donde se desarrollara la acción (CASA, CALLE, ESCUELA, SALÓN).
8.-Las características de los personajes se van detallando (estados de ánimo, actitudes, etc.).
9.-Se incluyen todos los diálogos, por pequeños que sean, indicando el personaje que los dice.
10.-Se describen detalladamente los lugares en que se desarrolla la acción.
Conceptos básicos de Técnicas de Filmación
Recuperado del autor Roy Espinoza Cohen, del blog: http://camarografoperu.blogspot.com/
Introducción
A lo largo de imagenDV, apenas se ha hablado de los aspectos "artísticos" o de técnicas de filmación. El motivo, en parte, es mi desconocimiento del tema en cuestión. Pero bueno, me voy a atrever a dar unos consejos básicos para que tratemos de conseguir los mejores vídeos posibles.
Todo desde la perspectiva de los modelos "clásicos" de filmación, en los últimos tiempos han aparecido tendencias novedosas ( como la de mover la cámara continuamente, añadir grano artificialmente, saturar colores, etc)
Más que nada, se trata de unos consejos prácticos basados en el sentido común. La mejor manera de aprender es practicar y fijarse mucho en cómo están rodados los documentales o programas de la televisión.
Consejos básicos
1. Controlar la duración del vídeo:
Todos hemos experimentado la sensación de horror y sudor frío cuando un supuesto amigo nos deleita con su último vídeo de 90 minutos .... insoportable. Se dice, que un vídeo doméstico no debería durar más de 10 minutos, por encima de ese tiempo la potencial audiencia está ya completamente harta del vídeo en cuestión. Y esto es así porque un vídeo doméstico está mal hecho, no es atractivo, no tiene interés. Cuanto mejor sea el vídeo doméstico, más se puede alargar la duración del mismo.
2. No mover la cámara
La cámara, quietecita. Lo mejor es usar un trípode. La cámara de vídeo hay que considerarla como una cámara de fotos con muchos fotogramas. Si queremos recoger otro punto de interés, se pasará a PAUSA, se moverá y se empezará de nuevo a grabar. Solo los expertos y profesionales se pueden permitir el lujo de mover la cámara y que les quede bien, eso es muy difícil. Hay excepciones, por supuesto. Hay veces que interesa seguir a un sujeto en movimiento, siendo de más interés si el sujeto se acerca que si se aleja (por tanto, hay que prever la situación y adelantarse al sujeto, los aficionados suelen recoger la acción al revés, con el sujeto alejándose y de espalda .... muy mal ). Respecto a panorámicas de paisajes, lo ideal es usar una lente gran angular evitando mover la cámara. Para recoger todo la panorámica hay que mover la cámara muy lentamente y solo en un sentido. Los profesionales usan trípodes con amortiguadores especiales que suavizan el movimiento.
3. Por favor, tomas cortas
Las tomas no deben durar más de 7 u 8 segundos, de lo contrario se hacen muy pesadas. Otra opción es grabar tomas largas y luego acortarlas en la edición. No hay que repetir machaconamente una toma o situación, con unos segundos vale, el resto es superfluo, ya lo sabemos, ya lo hemos visto ....Si la cosa tiene mucho interés, cambia de ángulo para la siguiente toma.
4. No usar el zoom durante una toma.
Realmente este debería ser el punto nº1. Hay que olvidarse del zoom, como si no existiera. Los profesionales lo usan rara vez. Si quieres ampliar algún detalle, lo mejor es pasar a PAUSA, accionar el zoom deseado y volver a poner la cámara en REC. Esporádicamente se puede usar, pero siempre muy lentamente. A mí me gusta mucho más el zoom en sentido inverso ( se empieza con un detalle y se va ampliando el campo de visión).
5. Procura que la toma tenga acción o interés.
Hay que intentar captar aquello que tiene interés o gracia, mejor que sujetos estáticos. Cuando se graba a personas es mucho más enriquecedor captar a la gente haciendo cosas, trabajando, en situaciones que sabemos a priori que van a ser graciosas ( algún compañero de viaje tratando de comprar algo en una tienda y sin saber el idioma local). Es mejor grabar el "así se hizo" que el resultado final.
6. Controla la exposición y la luz
Los consejos típicos de la fotografía se aplican al vídeo. Hay que evitar las tomas a contraluz (aunque las cámaras suelen tolerar bien estos casos, a veces con resultados curiosos). Y tener muy en cuenta que la cámara no es tan perfecta como nuestros ojos. La cámara tiene muchísimo menos rango dinámico. Para la cámara, la situación ideal es un día nublado, con luces muy similares en todos los puntos. Las tomas contrastadas, con fuertes luces y sombras, que tan bonitas nos parecen a nuestros ojos, suelen acabar siendo un desastre cuando se graban en la cámara. Las zonas de fuertes luces aparecerán quemadas, sin detalle. Las zonas oscuras, quizás más oscuras de lo que eran en realidad. Es buena idea tener activado el "zebra patern", indicación en el visor de las zonas sobreexpuestas (el que lo tenga, claro). La iluminación es el secreto o la clave a la hora de realizar un vídeo profesional. Todos los profesionales iluminan adecuadamente sus sujetos, sea cual sea la situación original.
Hay veces, según lo ya comentado, en que el control manual de la exposición brinda mejores resultados que los modos automáticos. Solo la experimentación permite controlar estos aspectos técnicos de las cámaras.
Generalmente da mejor resultado el ajuste manual del balance blancos (ya sea haciendo un verdadero ajuste manual o forzando el modo "exteriores" o "interiores" ). Si durante una toma va a haber cambios (paso de exterior a interior) lo mejor es dejarlo en AUTO y que la cámara trate de ajustarse.
7. El control selectivo del enfoque
El enfoque selectivo es una técnica muy usada en fotografía y cine profesional. Consiste en mantener enfocado un sujeto, desenfocando el fondo. De este modo se concentra poderosamente la atención del espectador en el sujeto enfocado. Técnicamente, se consigue controlando la profundidad de campo. Para lograr poca profundidad de campo, hay que usar una apertura de diafragma muy grande ( generalmente las cámaras tienen unos modos automáticos que realizan este tipo de ajustes, en este caso hay que elegir el "modo retrato" ). Cuanto más potente es el zoom, menos profundidad de campo tenemos. Asi pues, habrá que usar una apertura de diafragma grande y un zoom potente. En situaciones de muchísima luz no es posible usar la máxima apertura de diafragma ya que la imagen se quema. En estos casos hay que poner un filtro de densidad neutra que rebaja la luz que entra al objetivo. Ni que decir tiene, que el enfoque hay que hacerlo MANUAL, para evitar que el autofocus de la cámara tome sus propias decisiones.
8. Planificar el encuadre
Antes de darle al botón de grabación hay que pararse a pensar un poco qué queremos sacar, desde qué ángulo y en qué momento. Yo soy de los que prefieren grabar "poco pero bueno" (muy entre comillas lo de "bueno") que "mucho y malo". La edición me damucha pereza, lo más seguro es que el vídeo se quede tal como fue grabado, por lo que soy muy selectivo grabando. Hay que buscar ángulos interesantes, tomas desde abajo o desde arriba, jugar con la perspectiva que proporcionan los gran angulares .... todo lo que contribuya a darle vida al vídeo.
En vídeo también se aplica la norma del "1/3" . El encuadre de divide en tres zonas verticales, situando al sujeto en uno de los dos laterales, es decir, NUNCA en el medio del encuadre. Si son personas, procurad no cortar las manos, o las piernas a la altura de la rodilla, ni tampoco la cabeza (aunque esto último cada vez para ser más habitual por lo que observo)
Un guión previo es importante. Si se trata, por ejemplo, de un viaje conviene planificar un poco el "guión", sabiendo qué es lo que queremos grabar (por ejemplo, la llegada al aeropuerto, el momento de sacar la tarjeta de embarque ... cualquier toma que refleja la "actividad" o el "así se hizo" del viaje. Muchas veces, a la vuelta del viaje, tenemos anécdotas que no hemos grabado por pereza o falta de "consciencia" de lo que debe ser el vídeo. Si se trata de una boda, pues lo mismo, intentar grabar cosas curiosas (al novio/novia vistiéndose o maquillándose ...).
9. EL audio
No hay que olvidar que el audio es el 50% del resultado final. La verdad es que no tengo ningún consejo práctico para dar en este sentido, ya que todas las soluciones profesionales pasan por llevar un micrófono adicional ( incluso un DAT o mini DISC para grabar el sonido a parte). Durante la edición se pueden añadir comentarios o música.Al igual que en el caso del vídeo, hay que procurar que el audio tenga interés por sí mismo.
10. No abusar de los efectos.
Todas las cámaras miniDV llevan incluidos diversos efectos y fundidos. Mi consejo es no abusar de ellos ( no usarlos nunca), salvo quizás el "fundido a negro" o el fundido simple de imágenes. Durante la edición se pueden realizar mucho más cómodamente. En cuanto a efectos o transiciones rebuscadas, los profesionales no los usan prácticamente nunca.
11. Técnicas "creativas"
Como podemos ver en casi cualquier programa de TV o serie, se están poniendo muy de moda diversas técnicas. Amén de ángulos insospechados y tomas aéreas, cada vez es más común el uso de efectos o técnicas que lo que buscan es dar un "aspecto de cine" al vídeo. Una de las más comunes en series de bajo presupuesto, es el movimiento continuo de la cámara (pero en un rango pequeño de distancia). Este efecto yo lo considero muy difícil de conseguir y a mí en particular no me gusta nada. En otras ocasiones se puede observar que la imagen es rara en el sentido de que parece que de vez en cuando se han saltado un fotograma (va como a tirones). Otros efectos, ya en postproducción, es añadir artificialmente más grano a la imagen y jugar con la saturación y tono general. En fin, las posibilidades del vídeo digital son infinitas.
Introducción
A lo largo de imagenDV, apenas se ha hablado de los aspectos "artísticos" o de técnicas de filmación. El motivo, en parte, es mi desconocimiento del tema en cuestión. Pero bueno, me voy a atrever a dar unos consejos básicos para que tratemos de conseguir los mejores vídeos posibles.
Todo desde la perspectiva de los modelos "clásicos" de filmación, en los últimos tiempos han aparecido tendencias novedosas ( como la de mover la cámara continuamente, añadir grano artificialmente, saturar colores, etc)
Más que nada, se trata de unos consejos prácticos basados en el sentido común. La mejor manera de aprender es practicar y fijarse mucho en cómo están rodados los documentales o programas de la televisión.
Consejos básicos
1. Controlar la duración del vídeo:
Todos hemos experimentado la sensación de horror y sudor frío cuando un supuesto amigo nos deleita con su último vídeo de 90 minutos .... insoportable. Se dice, que un vídeo doméstico no debería durar más de 10 minutos, por encima de ese tiempo la potencial audiencia está ya completamente harta del vídeo en cuestión. Y esto es así porque un vídeo doméstico está mal hecho, no es atractivo, no tiene interés. Cuanto mejor sea el vídeo doméstico, más se puede alargar la duración del mismo.
2. No mover la cámara
La cámara, quietecita. Lo mejor es usar un trípode. La cámara de vídeo hay que considerarla como una cámara de fotos con muchos fotogramas. Si queremos recoger otro punto de interés, se pasará a PAUSA, se moverá y se empezará de nuevo a grabar. Solo los expertos y profesionales se pueden permitir el lujo de mover la cámara y que les quede bien, eso es muy difícil. Hay excepciones, por supuesto. Hay veces que interesa seguir a un sujeto en movimiento, siendo de más interés si el sujeto se acerca que si se aleja (por tanto, hay que prever la situación y adelantarse al sujeto, los aficionados suelen recoger la acción al revés, con el sujeto alejándose y de espalda .... muy mal ). Respecto a panorámicas de paisajes, lo ideal es usar una lente gran angular evitando mover la cámara. Para recoger todo la panorámica hay que mover la cámara muy lentamente y solo en un sentido. Los profesionales usan trípodes con amortiguadores especiales que suavizan el movimiento.
3. Por favor, tomas cortas
Las tomas no deben durar más de 7 u 8 segundos, de lo contrario se hacen muy pesadas. Otra opción es grabar tomas largas y luego acortarlas en la edición. No hay que repetir machaconamente una toma o situación, con unos segundos vale, el resto es superfluo, ya lo sabemos, ya lo hemos visto ....Si la cosa tiene mucho interés, cambia de ángulo para la siguiente toma.
4. No usar el zoom durante una toma.
Realmente este debería ser el punto nº1. Hay que olvidarse del zoom, como si no existiera. Los profesionales lo usan rara vez. Si quieres ampliar algún detalle, lo mejor es pasar a PAUSA, accionar el zoom deseado y volver a poner la cámara en REC. Esporádicamente se puede usar, pero siempre muy lentamente. A mí me gusta mucho más el zoom en sentido inverso ( se empieza con un detalle y se va ampliando el campo de visión).
5. Procura que la toma tenga acción o interés.
Hay que intentar captar aquello que tiene interés o gracia, mejor que sujetos estáticos. Cuando se graba a personas es mucho más enriquecedor captar a la gente haciendo cosas, trabajando, en situaciones que sabemos a priori que van a ser graciosas ( algún compañero de viaje tratando de comprar algo en una tienda y sin saber el idioma local). Es mejor grabar el "así se hizo" que el resultado final.
6. Controla la exposición y la luz
Los consejos típicos de la fotografía se aplican al vídeo. Hay que evitar las tomas a contraluz (aunque las cámaras suelen tolerar bien estos casos, a veces con resultados curiosos). Y tener muy en cuenta que la cámara no es tan perfecta como nuestros ojos. La cámara tiene muchísimo menos rango dinámico. Para la cámara, la situación ideal es un día nublado, con luces muy similares en todos los puntos. Las tomas contrastadas, con fuertes luces y sombras, que tan bonitas nos parecen a nuestros ojos, suelen acabar siendo un desastre cuando se graban en la cámara. Las zonas de fuertes luces aparecerán quemadas, sin detalle. Las zonas oscuras, quizás más oscuras de lo que eran en realidad. Es buena idea tener activado el "zebra patern", indicación en el visor de las zonas sobreexpuestas (el que lo tenga, claro). La iluminación es el secreto o la clave a la hora de realizar un vídeo profesional. Todos los profesionales iluminan adecuadamente sus sujetos, sea cual sea la situación original.
Hay veces, según lo ya comentado, en que el control manual de la exposición brinda mejores resultados que los modos automáticos. Solo la experimentación permite controlar estos aspectos técnicos de las cámaras.
Generalmente da mejor resultado el ajuste manual del balance blancos (ya sea haciendo un verdadero ajuste manual o forzando el modo "exteriores" o "interiores" ). Si durante una toma va a haber cambios (paso de exterior a interior) lo mejor es dejarlo en AUTO y que la cámara trate de ajustarse.
7. El control selectivo del enfoque
El enfoque selectivo es una técnica muy usada en fotografía y cine profesional. Consiste en mantener enfocado un sujeto, desenfocando el fondo. De este modo se concentra poderosamente la atención del espectador en el sujeto enfocado. Técnicamente, se consigue controlando la profundidad de campo. Para lograr poca profundidad de campo, hay que usar una apertura de diafragma muy grande ( generalmente las cámaras tienen unos modos automáticos que realizan este tipo de ajustes, en este caso hay que elegir el "modo retrato" ). Cuanto más potente es el zoom, menos profundidad de campo tenemos. Asi pues, habrá que usar una apertura de diafragma grande y un zoom potente. En situaciones de muchísima luz no es posible usar la máxima apertura de diafragma ya que la imagen se quema. En estos casos hay que poner un filtro de densidad neutra que rebaja la luz que entra al objetivo. Ni que decir tiene, que el enfoque hay que hacerlo MANUAL, para evitar que el autofocus de la cámara tome sus propias decisiones.
8. Planificar el encuadre
Antes de darle al botón de grabación hay que pararse a pensar un poco qué queremos sacar, desde qué ángulo y en qué momento. Yo soy de los que prefieren grabar "poco pero bueno" (muy entre comillas lo de "bueno") que "mucho y malo". La edición me damucha pereza, lo más seguro es que el vídeo se quede tal como fue grabado, por lo que soy muy selectivo grabando. Hay que buscar ángulos interesantes, tomas desde abajo o desde arriba, jugar con la perspectiva que proporcionan los gran angulares .... todo lo que contribuya a darle vida al vídeo.
En vídeo también se aplica la norma del "1/3" . El encuadre de divide en tres zonas verticales, situando al sujeto en uno de los dos laterales, es decir, NUNCA en el medio del encuadre. Si son personas, procurad no cortar las manos, o las piernas a la altura de la rodilla, ni tampoco la cabeza (aunque esto último cada vez para ser más habitual por lo que observo)
Un guión previo es importante. Si se trata, por ejemplo, de un viaje conviene planificar un poco el "guión", sabiendo qué es lo que queremos grabar (por ejemplo, la llegada al aeropuerto, el momento de sacar la tarjeta de embarque ... cualquier toma que refleja la "actividad" o el "así se hizo" del viaje. Muchas veces, a la vuelta del viaje, tenemos anécdotas que no hemos grabado por pereza o falta de "consciencia" de lo que debe ser el vídeo. Si se trata de una boda, pues lo mismo, intentar grabar cosas curiosas (al novio/novia vistiéndose o maquillándose ...).
9. EL audio
No hay que olvidar que el audio es el 50% del resultado final. La verdad es que no tengo ningún consejo práctico para dar en este sentido, ya que todas las soluciones profesionales pasan por llevar un micrófono adicional ( incluso un DAT o mini DISC para grabar el sonido a parte). Durante la edición se pueden añadir comentarios o música.Al igual que en el caso del vídeo, hay que procurar que el audio tenga interés por sí mismo.
10. No abusar de los efectos.
Todas las cámaras miniDV llevan incluidos diversos efectos y fundidos. Mi consejo es no abusar de ellos ( no usarlos nunca), salvo quizás el "fundido a negro" o el fundido simple de imágenes. Durante la edición se pueden realizar mucho más cómodamente. En cuanto a efectos o transiciones rebuscadas, los profesionales no los usan prácticamente nunca.
11. Técnicas "creativas"
Como podemos ver en casi cualquier programa de TV o serie, se están poniendo muy de moda diversas técnicas. Amén de ángulos insospechados y tomas aéreas, cada vez es más común el uso de efectos o técnicas que lo que buscan es dar un "aspecto de cine" al vídeo. Una de las más comunes en series de bajo presupuesto, es el movimiento continuo de la cámara (pero en un rango pequeño de distancia). Este efecto yo lo considero muy difícil de conseguir y a mí en particular no me gusta nada. En otras ocasiones se puede observar que la imagen es rara en el sentido de que parece que de vez en cuando se han saltado un fotograma (va como a tirones). Otros efectos, ya en postproducción, es añadir artificialmente más grano a la imagen y jugar con la saturación y tono general. En fin, las posibilidades del vídeo digital son infinitas.
Un análisis de "All that jazz"
SOBRE EL GUIÓN- HISTORIA
Temporalidad: El tiempo no es lineal, existen saltos de tiempo que nos llevan desde los delirios del protagonista, hasta la realidad inmediata pasando por diversas facetas de la vida: familia, amoríos, trabajo, ensayos y vida cotidiana. La secuencia de escenas intercala tres tiempos: pasado, presente y futuro.
Espacio: La película se desarrolla en Nueva York, específicamente en Broadway a finales de los años 70, la historia se desarrolla en un ambiente repleto de fama, excesos, fantasía y reflectores.
Velocidad: Maneja un buen ritmo, pues se rige con la música aunque no es constante, varía dependiendo de la situación, esto la vuelve dinámica y a su vez digerible por el hecho de ser un musical en cierto sentido.
Originalidad: Para la época en la cual se desarrolló (finales de los 70 y principios de los 80) fue innovadora y creativa, nos muestra el Broadway sucio, sin maquillaje, sin vestuarios. Una historia a partir de la visión de un reconocido coreógrafo-director-padre-amante, siempre tras bambalinas.
Lo más rescatable del guión es que se narra a través de una perspectiva personal donde el actor es el eje central de los acontecimientos que se suscitan, así, el espectador logra una vinculación con el personaje a través de sus ojos y su mirada ante la realidad que lo rodea.
Se nos presenta una propuesta artística donde el lenguaje corporal, musical y la palabra nos transmiten de una manera dinámica emociones y sentimientos de un personaje utilizando una simbología peculiar y original como recurso narrativo.
Se evitan los clichés en la simbología, por ejemplo, el recurso de la “Mujer de blanco” evocando a la muerte es una manera de transformar la sensualidad que caracteriza al personaje en una carnada para conducirse a sí mismo a la muerte.
Duración: La película consta de 123 minutos, tiempo razonable, partiendo del hecho de que es una película que bien puede catalogarse como musical.
Temática: La presión, exigencia y el trabajo duro detrás de una producción, vista desde un personaje con actitudes obsesivas-compulsivas, donde es muy claro el concepto de creación y a la vez autodestrucción manejando la ironía.
Transmisión de mensaje: Al principio no es clara la temática, pues los detalles sutiles que sugiere la trama como hilos conductores son ambiguos, en el caso de la “dama de blanco”, pero conforme transcurre la historia, va aclarándose. Nos da la visión de una vida auto destructiva, nos retrata la Retrata la estricto y decadencia de la gente que trabaja en el mundo del espectáculo cuyo afán de triunfo les niega la oportunidad de vivir otros afectos.
• DIRECTOR
Actuaciones:
Protagonista: El papel del protagonista Roy Scheider está bien logrado, pues es patente el desarrollo del personaje a lo largo de esta película de carácter semiautobiográfico., Interpreta magníficamente el papel de director, tanto física, emocional y actoralmente, logrando que el espectador forme parte de su mundo lleno de exigencias, perfeccionismo, obsesiones y vicios.
Actores secundarios: La ex esposa del protagonista combina excelentes elementos actorales y corporales por medio del baile.
Kate: Poseedora de una motricidad agraciada reflejada en el baile, pero como transmisora de mensaje y emociones no logró en el espectador sentimiento alguno.
Michelle: para su corta edad generó una combinación de niña –mujer, muy bien manejada, pues interpreta a una adolescente muy perspicaz que entiende perfectamente la realidad que la rodea.
Psicología del personaje
Joe Gideons: simpático, extraordinario y libertino coreógrafo que ha de poner en funcionamiento una obra musical. Gideons no presta atención a ninguna otra cosa que no sea él mismo y su propio trabajo al frente de la compañía. Su vida es una completa entrega al arte de la danza, del que él también se aprovecha para alimentar sus continuas conquistas amorosas, costumbre que le reprochan su ex mujer, su novia y su hija. Pero la exigencia física a que se somete día a día –tabaco, sexo y drogas forman parte de ella–, lleva a Gideons hasta la extenuación y su estado desemboca en un ataque cardíaco.
Por lo mismo podemos apreciar que este personaje es sumamente obsesivo y compulsivo, perfeccionista pero al mismo tiempo es una persona que demanda mucha atención, ya que es un egocéntrico en potencia, el perfeccionismo al cual ha estado inmerso se ve claramente en acontecimientos del pasado que lo dejaron marcado: cuando se presentó en escena y apareció manchado del pantalón fue el hazmerreir del público y gracias a eso influyó positiva y/o negativamente en fortalecer esa personalidad tan metódica y pulcra que llevaba a cabo en cualquier momento de su vida para demostrar que podía hacer bien las cosas y a su vez ser reconocido.
Kate: es una mujer joven, bella capaz de conquistar a Broadway, pero es sumamente dependiente de su pareja Gideon, ya que su vida gira entorno a lo que él realmente quiere sin darse cuenta de que su novio no la ama realmente. Es mujer sumisa, que en cierta parte no se valora como la mujer que es, refleja inseguridad y la deposita en la relación para sentirse protegida y querida.
Ex esposa de Gideon: mujer fuerte capaz de enfrentarse a su ex esposo, no le da miedo decir lo que piensa y siente, por lo mismo es la única que es capaz de decirle a Gideon la verdad de lo que sucede alrededor de él. A pesar de todo lo que han vivido se logra ver como esta mujer sigue aferrada al sentimiento de su ex esposo, no logra perdonar las infidelidades cometidas en el matrimonio y trata de canalizarlo haciéndose la indiferente.
Michelle: una combinación muy peculiar, siendo una niña de tan corta edad entendía perfectamente lo que estaba pasando a su alrededor, la separación de sus padres originó un parte aguas en su vida y la obligó a madurar, se convirtió en el motor de su padre y en cierta manera era muy independiente.
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